重回街头,去看什么样的“网红展”?

为什么我们要让孩子懂历史,而不只是学历史?


不知道从什么时候开始,打开微博、小红书,在数篇“网红美食”、“网红旅游地”的种草文之间,越来越多的“魔都最高颜值展”、“帝都必去艺术展”等标题开始出现。周末挑选一场艺术展览,拍照、修图、发定位,已成为了很多人的固定娱乐项目。

网红展,已经成为诞生于这个流量时代的一大奇特现象。




△ teamlab开启了中国艺术展的“网红时代”



01

为什么我们蜂拥而至,

前往网红展?





安迪·沃霍尔说,这是一个人人都能当15分钟明星的时代


社交媒体释放着用户的表达欲,人人都有自己的舞台。不仅明星,每个普通人都在经营着自己在社交圈的“人设”。比起做沉默的观众,用户越来越乐于自己做“演员”。


手机屏幕已不再是一块光滑的平面玻璃,而是赛博世界中一座面积无限的立体舞台,每个人都争前恐后地想在舞台上博取一些观众的眼球。


网红展的“沉浸式体验”显然就迎合了大家在这个舞台上塑造自己人设的心理需求。具有冲击力的视觉场景设计、有趣有创意的互动环节、门槛不高的艺术体验,让大众主动参与其中打卡拍照,上传到社交媒体,分享自己喜爱的视觉展示审美;将自己融合进展览的创意中,借助展览的创意彰显自己的有趣。




△“网红展”鼻祖冰淇淋博物馆(Museum of Ice Cream)的冰淇淋展

当越来越多的人加入这个队伍,越来越多的推荐和追捧,甚至明星的加入,让网红展成为了和其他网红XXX一样的“必去”和“必打卡”,让更多原本不爱晒照的人,因为好奇,或赶时髦,或为了储存社交货币,也加入到这个“蜂拥而至”的大潮中。


△ Beyonce在冰淇淋博物馆



02

网红展是我们需要的艺术展吗?





但是在网红热风靡一段时间后,越来越多的人也正在开始审视网红展暴露出的一些问题。


网红展带来的巨大的经济利益让各路商场、空间、艺术中心都加入了这个庞大的队伍。数量一多,展览内容水平的参差不齐愈发明显——千篇一律的元素、概念层面上的空洞,让网红展这个名词有点被污名化的趋势。


除了水平上的参差不齐,看展人本身开始有了反思,反思自己是不是正在陷入:

只是为了拍照,而忽略展览背后的深意;

只是为了跟风,而忘记了思考;

只是为了打卡求赞,而忽略内容本身带来的感受和生活本身的乐趣。


「网红」并不应该是个贬义词。


艺术展本身并没有原罪,展览之所以成为网红,是因为本身使用的艺术形式更容易被大众所接受,将思考用更简单明了的方式向公众传递。在一定程度上,网红展正成为链接大众与艺术的桥梁,让艺术不只高冷,让更多人有了去触碰艺术和欣赏艺术的欲望。


这些年,也有很多严肃的艺术作品、艺术家被社交媒体推向潮头,获得更多的关注和认可。观看者为艺术家的作品赋予新的含义,他们与作品之间的互动,似乎正成为了作品的一部分,哪怕是用自拍的方式。


草间弥生就是一个典型的例子:起初不被自己母亲认可,后来不被纽约主流艺术圈认可,但当草间弥生的波普艺术通过商业与艺术的结合,最终被世人认可,成为当代艺术的成功典范。波点、南瓜这些有强烈视觉冲击感的元素在当下成为流行,过去几年,她是全世界最炙手可热的艺术家之一。




△ 草间弥生在日本直岛的作品



因此,对网红展,或许我们该做的不是拒绝,而是甄别。去更多地支持有内容、有一定艺术水准的展览,让市场不仅仅被“另一种影楼照”占据,我们才能看到更多更优秀的展览。




03

后疫情时代重回艺术展,

我们看些什么?





突如其来的疫情让朋友圈里的打卡晒照戛然而止,当沉寂了近6个月的朋友圈重回舞台时,当人们又将重新走上街头时,我们是不是可以趁这个机会换个方式去“打卡”呢?


再次重返公共空间,去审视那些即将到来的艺术展览,或许我们可以在心里树立一个新的标准,那就是:

∙【精神内核】是不是有让你共鸣的精神内核

∙【新】是不是有新鲜的、有所突破的表达方式

一场疫情,让所有人知道了PTSD,但这只是冰山一角……

∙【美】是不是真的很“美”(或者说是不是有艺术审美和艺术水准)

从过往很多经典的网红艺术展览中,我们都可以看到“精神内核+新+美”的影子。


曾经创造多个爆款展览的冰岛艺术家奥拉维尔·埃利亚松,可以称得上是“网红艺术展魔术师”,他在世界各地的艺术展都异常火爆,在伦敦泰特现代美术馆涡轮厅展出的《气象计划》项目吸引了逾200万名观众。

从精神内核来说,他的作品常常包含很多自然界的元素,比如阳光、水、冰川……他将这些自然搬到美术馆中,希望人们在观看中“重新检验自己和自然的关系,认识到即使是一个微小的个体,在与自然发生关系的时候,也在影响着整个大的环境”。

例如《气象计划》项目中,他在展厅内做了一个巨大的“太阳”,在美术馆中面对这个像末日一样的“被创造出来的太阳”,激发着观众对太阳有新的认知;而当观众走出美术馆,他们会反思自己与太阳的关系。




△ 《气象计划》埃利亚松在伦敦泰特美术馆的涡轮大厅中造了一轮“太阳”





“我们从太阳那里获取光照,获取白昼,因此太阳实际上是我们的时钟,它赋予我们的生命以形状。当人们走出美术馆,也许就不会将太阳的存在视作理所当然,或许就会开始思考:这种阳光同样进入土豆,进入沙拉,当我在吃一盘沙拉的时候,我实际上是在吃阳光。”——埃利亚松




从艺术手法的探索上,他一直走在“新”的道路上。他喜欢研究不同材料、不同构造方式,水、雾、冰雪、矿物质、光的折射和反射、镜像、几何模型、万花筒结构、针孔成像术、生物工程学、激光、霓虹及特质灯具、各类金属、玻璃、新型化工和电子产品等材料和方法都是他在作品中经常用到的。他在新鲜的材料、新鲜的表达中信手拈来。




△Yellow atmosphere projector,2018



而在美这个层面,奥拉维尔·埃利亚松作品的呈现都是震撼的,他用极致的光影在自己的空间中创造了比太阳本身更震撼的太阳,比瀑布更震撼的瀑布,比彩虹更永久的彩虹……




△奥拉维尔•埃利亚松在纽约设计的4座巨型人工瀑布之一



全球疫情还未消散,不能出国去看展的我们转而把目光落回国内,发现也并不乏优质、又亲近大众的艺术展览。最近,笔者在三里屯街道就发现了这样一个快闪艺术展。







这个被命名为“薅羊毛”的艺术展由京东金融App联合清华美院的设计团队共同合作举办。整个设计展由疫情后的生活开启讨论。京东金融App着眼于人们在疫情后对消费的心理变化,在大众都在讨论报复性消费的时候,回归冷静思考,重新审视消费与人们生活之间的关系——“重要的不是消费,而是热爱”,为期待的未来而消费,为对生活的热爱而消费;因为挣钱不容易,更要花好钱。

 “薅羊毛”原意指用户对商家打折促销的态度。但这一次,除了字面意义上为用户传达购物补贴和折扣的信息,京东金融App更将羊这个意象通过艺术家做了更多的现实的诠释。



清华美院的设计团队在解释作品中说到:“羊不仅仅是一个被设计出来的广告性符号,它同时还是我们的表情和状态,我们生活心境的投射物。”



羊的意象有更深的寓意:他们就像疫情之后的我们,经历了生活的千万次洗礼,被薅下了一把把的“毛”,却仍对未来充满期待和热爱。



除了街道上的羊,京东金融App在三联韬奋书店三里屯店打造了主题书店,设计出街了10个艺术与人文非常匹配的橱窗。


(把手机横过来看,图片效果更佳哦)


我们在橱窗中可以轻易地发现古典艺术与现代化产品的有趣融合。埃德加·德加的《芭蕾舞者》诠释运动鞋的轻盈;二次创作的莫奈睡莲诠释手机的滤镜拍摄;米勒笔下《拾穗者》的辛苦在这个时代不用重新上演了,因为有不用弯腰就扫地的扫地机器人……



美国广告大师詹姆斯・韦伯・杨说过:创意的本质,就是旧元素的新组合。对经典名画的二次创作,让过去的艺术作品融入当代的生活,借用对经典作品的解构与重组,赋予了商业橱窗更高的审美和欣赏价值。



借“薅羊毛”诠释当下时代的消费精神、以创新的”艺术+人文+商业”跨界合作打造项目、以萌系设计和经典艺术作品创造街头之美;京东金融App联合与清华美院的设计团队共同合作的艺术展为我们树立了“精神内核+新+美”展览的榜样。

这一场融合了艺术、人文、消费的“薅羊毛艺术展”将持续到6月18日。此次活动配合618电商节推出,艺术节现场可以和“千洗”合影,扫描羊羊身上的二维码,进入京东金融App就能抢领全品类24期免息券,去线上真的“薅羊毛”。

今年,京东金融App在618期间率先打响了“24期免息”的口号,数十万款商品参与到免息活动中,24期分期免息爆品能让消费者平均节省300元以上,让“薅羊毛”不仅仅停留在口号,更成为消费者真的能享受到的实惠。让疫情之下经历洗礼的消费者不用因一时的“刹车”而滞后生活的节奏,用24期分期免息支持你对生活的热爱。




(部分图片来自互联网)


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微信编辑/设计排版:阿瑾

作者:阿瑾

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